Jean-Michel Ouvry, découvrez l'artiste singulier, moderne et novateur qui signe la nouvelle couv' de MokaMag

À première vue, les tableaux de Jean-Michel Ouvry empruntent aux codes de la nature morte classique. Puis un détail dérape : une icône pop, un objet du quotidien, un jouet. Le baroque se fissure, le présent s’invite. Illustrateur, graphiste et designer, l’artiste joue de ce décalage avec précision, mêlant vanités, mémoire collective et humour noir. Un travail de suggestion, plus que de démonstration. Rencontre.

Pouvez-vous vous présenter en quelques mots : qui êtes-vous, d’où venez-vous, et où vivez-vous aujourd’hui ?

Je suis illustrateur, graphiste et designer, basé à Orléans. J’ai grandi dans l’Aube, où j’ai suivi une formation en design et packaging à l’ESAA de Troyes, une petite école de province. À cette époque, je peignais beaucoup avec des amis, dans des bâtiments industriels un peu abandonnés. C’est là que mon amour pour le graffiti est né. Ensuite, j’ai travaillé comme designer dans un cabinet d’architecte avant de partir à Paris comme freelance, dans des agences de publicité. Puis j’ai déménagé à Orléans ou j’ai créée le Loire Art Show, que j’organise depuis maintenant dix ans, en partenariat avec la Ville. En parallèle, j’ai aussi monté un studio de création avec ma compagne, Oeil pour Oeil.

Qu’est-ce que le Loire Art Show exactement ?

C’est un festival d’arts urbains qui investit des lieux oubliés ou méconnus des bords de Loire à Orléans. Graffiti, illustration, installations éphémères : l’idée est de réveiller des espaces endormis et de créer une rencontre directe entre l’art et le territoire, le temps d’un événement.

Comment résumeriez-vous votre travail à quelqu’un qui n’aurait jamais vu vos oeuvres ?

Je dirais que mon travail repose beaucoup sur la direction artistique et la construction d’images pensées comme des décors. J’ai une culture très liée au graphisme, à la publicité, au travail sur un brief. Mais pour parler de mon univers, j’aime créer des images qui activent la mémoire collective : des références à la gravure ancienne, à l’histoire de l’art, mais aussi à la culture populaire. Il y a toujours plusieurs niveaux de lecture dans mes oeuvres, avec une grande part d’humour — parfois noir — mais que je m’autorise à contenir. J’aime le trait précis, le dessin « propre », presque gravé, quitte à gommer ou à retravailler longtemps.

Vos œuvres mêlent références baroques et objets très contemporains. Qu’est-ce qui vous attire dans ce choc des temporalités ?

Je suis très influencé par les vanités et les natures mortes. Chaque élément a un sens : le crâne, la fragilité de la vie, les instruments, le temps qui passe. Remplacer une mandoline par une console de jeux ou un objet de pop culture, c’est finalement prolonger cette logique symbolique. J’aime l’idée de faire dialoguer le Louvre et la culture populaire, les références savantes et celles du quotidien.

Ce décalage entre classicisme et objets « parasites » raconte-t-il une critique, une nostalgie, de l’humour ?

Un peu tout à la fois. Mais sans volonté d’attaque frontale. Une Nintendo ou un petit soldat en plastique ne sont pas là pour être des « vilains ». Ils existent, tout simplement. Ils sont nos objets contemporains, nos nouveaux symboles.

Comment le public réagit-il à vos œuvres ?

En général, ça fonctionne. J’aime les retours simples : « je l’ai mis dans ma cuisine ». Mais j’avoue être parfois un peu lassé de la bienveillance systématique. Une image peut aussi déranger, susciter une forme de méchanceté gratuite. Ça fait partie du jeu.

Sur quoi travaillez-vous en ce moment ?

Je viens de clôturer la dernière édition du Loire Art Show, un festival d’envergure qui m’a mobilisé énormément de temps et d’énergie. En parallèle, je prépare une exposition à Tours, à l’Hôtel Gouin, présentée d’avril à août, où j’interviendrai à la fois comme organisateur et comme artiste exposé.

Où peut-on suivre votre travail ?

Sur mon site, jmouvry.com et sur Instagram, où je partage régulièrement mes projets et mes images.